Venus de Urbino

VENUS DE URBINO

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1538
Tiziano
Galeria de los Uffizi (Florencia)
Estilo: Renacimiento italiano

¿Por qué me interesa este cuadro?

Lo fundamental de este cuadro es que la Diosa se convierte en mujer; quizá este sea uno de los primeros cuadros en los que se pinta a una mujer real desnuda, una mujer de carne y hueso y no una diosa de la mitología.

Tras la oscuridad de la Edad Media y la influencia de la religión en la concepción del desnudo humano surge en el Renacimiento una vuelta al desnudo en el arte; esta etapa caracterizada por una admiración del mundo clásico retoma el tema; aunque la aparición del desnudo siempre estaba motivado por algo (una figura mitológica generalmente...). Nunca se pintaba una mujer desnuda sin una excusa (ver la Venus del espejo de Velázquez y el recurso del angelote).

Podemos ver la evolución de este proceso en la comparación de tres cuadros de la época:

• Nacimiento de Venus, en 1485 Botticelli pinta una aparición celeste con forma humana, intocable, que no es de este mundo.
• La Venus Dormida de Giorgione, obra finalizada por Tiziano a partir de 1510, es una Venus más cercana pero sigue envuelta por el aura de una diosa de la naturaleza.
• La venus de Urbino está fuera de la naturaleza y la introduce en un contexto humano; la diosa se transforma en una joven que mira al espectador y es consciente de los encantos de su cuerpo. El cuadro se convierte en Venus en 1567 en un inventario posterior, no tuvo ese nombre en su origen.

¿Pára quien se hizo este cuadro?

Fue un encargo de Guidobaldo della Rovere a Tiziano antes de convertirse en Duque de Urbino.

¿Quién es la mujer desnuda?

Hay multiples teorías, desde quien dice que podría ser la amante de Guidobaldo, la amante del propio Tiziano o incluso la madre de Guidobaldo (Eleonora Gonzaga, ver parecidos)

Técnica

Oleo sobre lienzo

La perspectiva queda patente en la sucesión de planos de luz y sombra, en el suelo con las líneas de fuga y en el paisaje del fondo, que da la sensación de espacio infinito e ilimitado.

Ideal de belleza del Renacimiento

Su cuerpo representa el ideal de belleza y los gustos eróticos del Renacimiento italiano.

• La frente deja de tener el valor de la etapa anterior, el cabello ya no desaparece por completo bajo cofias y aparece para dulcificar los rostros. Las italianas en su mayoría de cabellos castaños por naturaleza prefieren el rubio. Por lo que en esta época las figuras míticas aparecen con cabellos rubios (ya se sabe todos desean lo que no tienen...eso no cambia).

• Tipo más corpulento que en la etapa anterior. Los hombros debían ser anchos y en los vestidos de la época se ve como los modistos se encargaban de adornarlos y ensancharlos (Ver la sirvienta del fondo con las mangas abullonadas)

• Los pechos sólo se consideran hermosos si son pequeños, redondos y firmes.

• El talle fino no tenía mucha aceptación

• Aunque se tiende a posturas naturales, el vientre sigue siendo el centro del cuerpo, remarcado como símbolo de la fecundidad y la reproducción, por lo que Tiziano lo pinta ligeramente abultado (aunque mucho menos que en etapas anteriores)

He vuelto a confirmar que debería haber nacido en esta época, seguro que me hubiera hecho famosa por mi belleza.

Ideal de belleza en la edad media

• Frente alta

La curva de la frente se consideraba atractiva e incluso se hacia resaltar, las mujeres que se consagraban a la moda incluso se depilaban la frente para alargar el rostro.

• Mujeres delgadas y alargadas

Acentuando esta impresión con colas, tocados terminados en cola y hombros caídos.

• El vientre suele sobresalir incluso más que el busto, remarcándolo como símbolo de fecundidad y reproducción.

Entorno

La sala y el mobiliario representan los rasgos característicos de la época.

• Cassone, arca de la ropa. No existían armarios ni perchas por lo que la ropa se guardaba en arcas. Constituye una parte importante de la dote y según la fortuna de las familias se decoraban con trabajos de marquetería o se pintaban. Solían servir también para sentarse.

• El tipo de cama es el típico de la época en las clases acomodadas. Con travesaños y postes para sujetar las cortinas que se echaban durante la noche para convertirlo en un espacio privado. Las doncellas y los sirvientes dormían en las habitaciones de los señores o en la puerta, por lo que era necesario convertirlo en una zona más íntima.

Simbología

• Las rosas en la mano simbolizan el placer y la fidelidad en el amor

• La maceta del fondo es un mirto que indica la constancia en el matrimonio

• El perro, por una parte simboliza el amor carnal , pero por otra también la fidelidad, aunque el que esté dormido puede tener algún significado.

¿Quizá Tiziano quiso representar que la división de la época entre esposas respetables y servidoras del amor no era tajante y se podía descubrir el placer sensual en el seno del matrimonio?

Esta obra está inspirada en La Venus dormida de Giorgione (1510)

Esta obra ha inspirado Olympia de Manet (1863)

Bibliografía: Los secretos de las obras de arte (ya pondré la referencia en otro momento) y un montón de webs que no he apuntado.... para la próxima lo haré...

Martajaleito

DESAYUNO EN LA HIERBA (MANET)

Desayuno en la hierba

Autor:Edouard Manet
Fecha:1863
Museo:Museo de Orsay
Características:214 x 269´9 cm.
Material:Oleo sobre lienzo
Estilo:Impresionismo

Descripción del cuadro:

Manet se inspiró en una jornada de baño en el Sena para realizar un desnudo en medio de un paisaje (según Émile Zola, el sueño de todo pintor …)

Para ello empleó a su modelo favorita, Victorine Meurent, junto al escultor holandés Ferdinand Leenhoof - hermano de Suzanne, su futura esposa - y a su propio hermano, Gustave.

Los tres se sitúan entre los árboles, apreciándose el Sena al fondo y a otra joven que sale del baño. La mujer desnuda ha colocado sus vestidos a su izquierda, junto a una cesta de fruta.

Llama la atención el contraste entre la desnudez de la joven y los dos hombres que la acompañan, siendo ésta la gran novedad de la imagen.

Manet buscó su inspiración en las "fiestas galantes" del último Barroco francés - en las que también aparecían mujeres desnudas junto a hombres vestidos

Manet ya había recurrido a emplear imágenes modernas junto a elementos clásicos en otras obras

Notas Técnicas:

El resaltado uso del negro es una de las razones por la que los académicos rechazaban las obras de Manet, pues era un color poco aconsejado y utilizado, dentro del arte realizado por el entorno academicista.

En el fondo del lienzo utiliza una técnica novedosa, que dota a la obra de verdadera modernidad, aboceta las formas consiguiendo así la profundidad y la sensación de que el aire envuelve la escena, así los personajes aparecen como parte inherente del ambiente. No obstante esta fórmula no es tan original como aparenta, pues está poniendo en práctica aquello que ha aprendido de su artista mas admirado, Velázquez

Repercusión del cuadro:

Esta obra fue presentada por Manet al Salón de París de 1863 con el título de El Baño. El jurado elegido al efecto la rechazó, junto a otras 2.000 obras de diferentes artista

Es el contraste de esta mujer desnuda junto a sus compañeros vestidos lo que más polémica levantó. La pregunta que nos hacemos es por qué tanto alboroto cuando los espectadores estaban acostumbrados a observar en la pintura desnudos femeninos. La respuesta la da el mismo cuadro, pues hasta el momento estos desnudos habían aparecido en la pintura de manera idealizada, cargados de simbolismo, con un significado explícito. Sin embargo ahora, se ha utilizado sin ningún fin aparente, la mujer desnuda es una modelo conocida, que esta representada como una señora normal, no es una diosa, ni un personaje mitológico.

El Baño se considera punto de ruptura con el arte académico y tradicional y puede considerarse como el padre del Impresionismo

Es curiosa la interpretación de este cuadro hecha por Picasso....